オーディオのこと 31(音を良くする)

 前のブログで今、使用しているプリアンプから新しいアンプにするとここが変わるということを書いた。それをもう一度再掲してみる。

「使用しているアンプから新しいアンプにすると、

 ①電源が左右独立になる

 ②増幅段の真空管が左右に分れる

 ③ボリュームが左右独立になりクロストークとギャングエラーが低減する

 ④信号経路が短くなる

 ⑤バランスコントールのボリューム接点がなくなる」

 これらはプリアンプ内部のことだが、この「分ける」、「信号経路を短くする」、「接点を少なくする」というのはオーディオで音を良くする基本と言ってもいい。この中で①、②、③は「分ける」ということだがこれは高級機によく見られる。

 例えばCDプレーヤー。高級機になるとCDからデジタル信号を読み取るトランスポートと読み取ったデジタル信号をアナログ信号に変換するDAコンバーター(通称DAC)にCDプレーヤーがありセパレートタイプと呼ばれる。エソテリックの最高級CDプレーヤーはトランスポートと電源とDACに分け、DACも左右に分けるという徹底振りで合計4筐体となっている。

アンプもプリメインアンプの音を良くしようとすると、扱う電圧が違うプリアンプとメインアンプに分けるセパレートアンプになる。

 話が少し逸れるが「プリメインアンプ」は文字通り「プリアンプ」と「メインアンプ」を一体にした呼び方で、他に「一体型」という意味で「インテグレーテッドアンプ」という言い方もある。プリアンプはボリューム、入力セレクター、トーンコントロールなどがあることから「コントロールアンプ」という言い方をするときもある。フォノイコライザーアンプが内蔵されていない場合は「ラインアンプ」という言い方もある。「メインアンプ」という言い方は最近、あまり使われなくなり「パワーアンプ」という方がよく使われるようになっている。

 話を元にもどす。通常アンプは左右から別々の信号を出す2チャンネルのステレオだが、これを左右に分けるとモノラルアンプとなり2筐体となる。高級なモノラルアンプともなると1台50㎏ほどの鉄の塊が部屋の中に2つということになる。

 スピーカーも一つのユニットで済めばそれに越したことはないが、音楽の帯域を全てカバーできるユニットはないので、それぞれの周波数に合わせた複数のユニットでスピーカーシステムを構築することになる。これもそれぞれのユニットを一台ずつ違うアンプで駆動するマルチアンプにするといい。

 しかし、それでは部屋の中がアンプだらけになるので普通は、ネットワークで帯域を分割して1台のアンプで駆動する。最近は高域部と低域部を分けたバイワイヤリング対応のスピーカーも増えてきている。こういうスピーカーはバイアンプ駆動をすると高域と低域のユニット間の干渉を減らすことができるので音に有効である。これもステレオアンプが2台必要になり、モノラルアンプだと4筐体となる。

 低音を出すためにサブウーファーを、高域を出すためにスーパートゥイーターをそれぞれ追加するとユニットも増えていく。

機器の内部でいろいろと分けていくと部品の数も増えていくので高級機の内部はびっしりと部品が詰まっている。そして、よりよい音を求めて高級品にしていくと次第に筐体が分れていってシステムを構成する機器の数が増えていく。そのため高級オーディオシステムは大がかりになり機器の数もたくさん増えていくのである。

 

 一方でこれとは逆の動きもある。最近は100万円ぐらいの高級プリメインアンプも増えてきているし、ネットワークオーディオを含めたプレーヤーとアンプを一体にした製品も増えている。音質についてのメリットは最初に再掲した④信号経路が短くなる、⑤接点が少なくなるというメリットがある。筐体を別にしてケーブルで接続するよりも内部で接続した方が短くなるのは当然だし、ケーブルで接続する接点も少なくなる。これは当然音質的なメリットになる。低い電圧が通っているケーブルを長く引き回すのは音にあまりいいものではないし、余計な接点はない方がいい。それとあまり大げさなシステムにはしたくないけどいい音は聴きたいというユーザーにはとても都合がいいのだろう。ネットワークオーディオもそういう人たちに支持されていく感じがする。

オーディオ 30(アンプのボリューム)

 いよいよ上杉研究所からU・BRОS-280Rという待望のプリアンプが発売される。その前はU・BRОS-280という製品で2015年に出た。今使用しているのはU・BRОS-12という1990年に出たアンプである。その間、2機種(U・BRОS-18、28)がモデルチェンジして出ている。U・BRОS-12、18、28は2段増幅で1本の真空管で左右の信号を取り扱っていた(計2本)が、280ではそれを左右に分けたので4本の真空管が使われている。280は自宅で試聴したことがある。音は音像の輪郭がはっきりして高音、低音がすっきりして音場感が広がった感じだった。左右に分離した効果が出ていると感じた。

 そして、今回の280Rが出た。実は今回の新製品は2年半ぐらい前からメーカーの方からこの時期に出ることを聞いていて、280に電源を左右独立させた限定モデルとのことだった。そのとおり左右独立電源になっていたがボリュームも新しくなっていた。このアンプのボリュームについて少し書いてみたい。

 

 通常のアンプのボリュームは可変抵抗といってボリュームの位置で抵抗値が変わり音量を変化させるようになっている。しかしこれでは左右の信号のクロストーク(重なり)、左右の信号の音量が少し違う(ギャングエラー)ためステレオ感が損なわれるなどの問題があった。

 これを改善する方法は簡単で音量をコントロールするプリアンプを左右独立のモノラルにするといいのだが、そうすると左右二つのボリュームをいちいち操作しなくてはならない。これは毎日使っていると確かに面倒だ。オーディオ黎明期にはそういう製品もあったが今はもうなくなっている。こんなことはメーカーの設計者は百も承知なので、国産のアンプメーカーは技術的にかなり凝った手法を用いている。

 例えばアキュフェーズは「AAVA」という方式で、電圧を電流に変えて16種類のゲインが違うアンプを組み合わせ、また電流を電圧に変換するというボリュームを開発している。マランツもこれと似たようなボリュームを採用しているようだ。

 ラックスやソウルノートは可変抵抗ではなく固定抵抗を組み合わせるという方式でボリュームを構成している。

 エソテリックは左右と正負の信号をそれぞれ独立したボリュームを採用している。どの方式もクロストークやギャングエラーの低減に効果がある。欠点は構造が複雑になるため高価になることでいずれも高級品にしか使われていない。

 今度の280Rはエソテリックの方式に近い。ボリュームを左右に独立させアンプ内部の増幅部の近くに設置してモーターで駆動するというものだ。ボリュームのノブはそのモーターを駆動させるためのスイッチになった。これまでのアンプは半導体アンプだったが、それを真空管アンプで採用したことが画期的なところだ。

 ボリュームをアンプ内部の増幅部の近くに設置したことにより信号経路が短くなることもこの方式のメリットだ。それにバランスコントロールは左右に独立したボリュームをそれぞれ動かすので、それまでのようにバランスボリュームを装備する必要がなくなり、その分接点が少なくなった。

 

 要するに今使用しているU・BRОS-12から新しい280Rにすると、①電源が左右独立になる、②ボリュームが左右独立になりクロストークとギャングエラーが低減する、③信号経路が短くなる、④バランスコントールのボリューム接点がなくなる、⑤増幅段の真空管が左右に分れる、ということによる音の違いがどれだけ現れるかということになる。

 果していつ導入できるだろう。

オーディオのこと 29 (いい音と演奏)

 オーディオ機器をより性能(音)が良い機種に変更すると、それまでいいと思っていた演奏がそれほどでもないと思ったり、逆にそれほどでもないと思っていた演奏がこんなに良かったのかと思ったりすることがある。

 オーディオでクラシックを聴くときの「いい音」の基準は「ハーモニーが綺麗に響くこと」だと言ってもいい。オーディオ機器をグレードアップしたり、セッティングの調整をしたりして次第に「いい音」になって行くに従い、それほどでもないと思っていた演奏が良いところがたくさんあるいい演奏だった、となることが多い。それは細かい強弱の差が明瞭になるにつれて演奏家の表現が次第にわかるようになるからだ。素っ気ないと感じていた演奏の中に実は強弱の変化、色彩の変化などがあることが次第にわかってくるのである。

しかし中には音が良くなるにしたがって、意外と表現力のない演奏だったと感じることもある。例えばテンポが速い疾走するような演奏とかアタック音か強い演奏というのはそれほど音が良くなくてもいい演奏だと感じることがある。しかし、そういう演奏は微妙な強弱とか旋律を歌わせるということがあまりないので、音が良くなるメリットをあまり受けない。

 音が良くなって演奏の強弱とかアンサンブルの妙とか細かいところがわかるようになるとその曲に対する聴き方も変わってくる。そうしてテンポが速いとかアタック音が強い演奏は音が良くなっても印象はそれほど変わらないが、他の演奏が次第に良くなっていくので相対的に評価が低くなってくる。それでオーディオ機器をグレードアップして、セッティングを調整して久しぶりに聞くと意外とそうでもなかったという印象を持つことになるのだと思う。

 音が良くなったにもかかわらず、気に入っていた演奏が今までの印象と違い意外と凡庸だったと感じてしまうというのは少し複雑な気分になる。

 

第631回札幌交響楽団定期演奏会

 令和2年(2020年)10月23日、第631回札幌交響楽団定期演奏会を聴きに行ってきた。

 当初の指揮とプログラムは、ドミトリ・シトコヴェツキー(指揮とヴァイオリン)によるバッハ ゴルトベルク変奏曲(シトコヴェツキー編弦楽合奏版)とプロコフィエフ「シンデレラ」組曲だったが、コロナ禍で来日が叶わず、指揮は飯守泰次郎に変更になりプログラムもウェーバー歌劇「オベロン」序曲、ブルッフスコットランド幻想曲」、ベートーヴェン交響曲第6番「田園」となった。しかし、直前になって飯守泰次郎氏が「急性胆嚢炎」のため指揮者が山下一史に変更になった。ヴァイオリンは青木尚佳。本人のツイッターによるとミュンヘンフィルのコンマスオーディションに合格したらしい。編成は12型。

 

 1曲目のオベロン序曲は曲想の変化を軽快なテンポの中でとてもよく描き分けていた。

 2曲目のスコットランド幻想曲は初めて聴く曲だったが、ヴァイオリンの冴え渡る響きが印象的だった。厚みとか派手さはないが、一つ一つの音を楷書のように弾いていく感じだった。アンコールは「この道」だった。

 3曲目は「田園」。札響の田園は、2011年に尾高忠明指揮で18年にマックス・ポンマー指揮で聴いている。尾高指揮の田園は情緒的なものを排除した曲本来の本質に迫るような演奏だった。ポンマー指揮の田園は劇的でスケールが大きい田園だった。この日の演奏は田園とはこういう曲ですというお手本のような演奏とでもいうのだろうか、聴き慣れた曲でここはこうあって欲しいという期待に添った演奏だった。聴いて行くに従って曲のドラマの中にどんどん入り込んでいくような感じになった。

 

 札幌コンサートホールKitaraは8ヶ月間の改修期間に入り、これからしばらくはhitaru通いになる。天井が補強されるということだが、オーディオ的には天井の補強はいい音に繋がることが多いがKitaraも改修後はそうなったくれることを期待したい。

 

オーディオのこと 28  (バイロイトの第九 各国盤比較試聴)

 今までオーディオやコンサートのことをブログに書いてきたが、レコードのことをあまり書かないできたのは近い将来プリアンプの買替えを検討しているからで、せっかくレコード評を書いても機器が変わった途端に評価が覆るということ、それにレコードの各国盤の比較というマニアックな話題についてあれこれと書くことには少し抵抗があるからだった。そのため余り書かないできたのだが、このブログを読んでいるフォロワーさんがそのようなイベントに参加されたということで少しこのことについて書いてみたい。

 

 まず演奏を録音されたテープは「オリジナルテープ」と呼ばれる。これがそのまま「マスターテープ」になるわけではなく、オリジナルテープに様々な補正や調整をしてマスターテープが作られる。この「補正や調整」のところで各国のエンジニアが関わるので各国盤の違いが音に現れるのである。その調整をするときにモニターする機材やスピーカーが違えば当然結果も違ってくることになる。

 

 しかし、私たちリスナーにとって一番知りたいのは、プレスする国で音の違いがあるとしたら、どこの国でプレスされたレコードを買えばいいのかということになる。それに加えていつ頃プレスされたレコードなのかということも関心の的になる。最初にカッティングされた盤なのか2回目なのかとか、マザー盤からスタンパーがいくつか作られるが、最初のスタンパーなのか2番目なのか3番目なのかということも、そのレコードをいい音で聞きたいというマニアなら当然気にすることだ。

 だが、さすがにスタンパー番号まで気にしてレコードを買うというのは無駄が多い。拘ってもせいぜい各国盤でどう違うかというのが関の山だし、それでも相当自分が気に入った曲と演奏でなくてはそこまで買い揃えないだろう。

 

 私が拘って買い揃えたレコードはフルトヴェングラーの各国盤だった。有名なバイロイトの第九で各国盤の比較試聴をしてみたのでメモ風に簡単に音の印象を書いてみた。全曲聴き比べてレポートすると膨大になるので第4楽章の冒頭からバリトンのソロを経て合唱が出てくるまでを比較試聴してみた。レコードはいずれも2枚組で各楽章が1面ずつカッティングされている盤である。レコード番号の後ろの括弧内の数字はレコードの製作年。

 

1 アメリカ盤 RCA LM6043(56)

 メリハリがあるが少し粗い印象。細かい音も良く聞こえるし低域もよく 出ている。弦の解像度は今ひとつかもしれない。

 

2 フランス盤 パテ・マルコニ FALP381-2(55)

 音が前に出てくる。高域が伸びている低域の解像度が高い。木管のアンサンブルがきれいに響く。低弦の擦音がはっきり聞こえる。Dレンジが広い。金管が少し薄くバリトンの声がやや高いのは高域が少し持ち上げられているのかもしれない。

 

3 フランス盤 パテ・マルコニ FALP30048-9(58)

 低域がよく聞こえるが少し軽い感じがある。高域もよく聞こえるが強調されすぎるところもある。歓喜の主題が出てくるところのコントラバスは少し大きい。

 

4 ドイツ盤 エレクトローラ WALP1286-7(56)

 全体的にスケール感が小さくなる。その分細かい音が良く聞こえる箇所もある。金管は迫力に欠ける。声は普通。

 

5 ドイツ盤 エレクトローラ E90115-6(56)

 低域の解像度が低く、籠り気味でモコモコした感じがする。高域も伸びている感じはない。低弦の擦音は一つの塊のようだ。この盤だけ聞いていると録音が古いからと決めつけてしまいそうになる。周波数レンジもダイミックレンジも抑えられているようで、バリトンのソロは聴きやすいが、金管や合唱に迫力がない。

 

6 イギリス盤 HMV ALP1286-7(55)

 冒頭から金管もはっきりと聞こえる。低弦はチェロとコントラバスが分離していて擦音も聞こえる。一音一音がはっきりと聞こえ解像度が高く響きも良い。ヴィオラファゴットもよく聞こえる。金管はモノラルであることを忘れるほどスピーカー一杯に広がる。バリトンも合唱も力強い。

 

 大雑把にメモ風に書いてみた。歓喜の主題が低弦、ヴィオラ、ヴァイオリンと移ってきて、ヴァイオリンが次第にテンポを速め、クレッシェンドしながら金管の強奏に移る箇所はこのバイロイトの第九を「世紀の名演」としている一番わかりやすい分かり箇所だと思う。ここでALPではアクセントを付けながら次第にテンポを速め、音が次第に大きくなり管楽器の強奏に移るとスピーカーの幅一杯の空間に歓喜の主題が響き渡る。この表現が出るのはALPだけだった。

 

 この後、再販盤として2017年に出た2枚組と2018年に出たベートーヴェン交響曲全集盤(10枚組)に収録された盤を聞いてみた。17年盤は、音は細かくわりやすいが、少し音が遠い感じがする。それに比べて全集に収録されている18年盤は細かい音も良くは言っていて迫力もある。

 

これまでに紹介した中で一番のお勧めはイギリス盤ALPだが値段か高い。次のお勧めはフランス盤の381-2だが、フラット盤でコンディションのいいものがなかなかないのが欠点。次はフランス盤の30048-9。値段が安く音も聴きやすいしが全体的に音が少し高域に偏っていて厚みがない。次はアメリカ盤。多少粗い感じがあるが、鑑賞には十分堪える。お勧めしないのはドイツ盤。どちらもこの演奏の凄さを伝えているとは言い難い。再販盤では2枚組はあまりお勧めしないが、全曲盤はお勧めである。とても聞きやすいしフランス盤と違ってコンディションはとてもいい。

 

 メーカーはALPのクォリティでこの演奏を残していくことを考えて欲しい。

 

オーディオのこと 27 (レコードとCD)

 前回のメールを書いた後、フォロワーの方から質問をいただいた。それを整理すると次の三点である。

1 CDよりレコードの方が「表現力」があるのはなぜか?

2 時代が進むほど録音技術は向上しているのではないか?

3 記録方法で(音の)違いはあるか?

ということだった。

 

 最初に言い訳をしておくとオーディオマニアと言われる人たちはオーディオにしてもソフトにしても「商品」として出てきた物についてはある程度詳しくても、商品になる前の電気的な理論とか製作しないと知り得ないようなことについてはそれほど詳しくない。そのため1の問いに答えることは難しい。答えになるかどうか判らないが、3とともにCDとレコードの再生について考えてみたい。

 まずマイクロフォンで録音してマスターテープを作るところまでは同じだが、レコードではそこから高域を上げて低域を下げる特性のアンプに通してからディスクにカッティングをする。そのままカッティングをすると高域と低域の幅が違いすぎて、溝がある一定の幅に収らなくなるためだ。カッティングは、カッティングマシーンで「ラッカー盤」を刻んでいく。そのラッカー盤をメッキして「ニッケルマスター」が作られる。それからスタンパーを作るための「マザー」が作られ、それを元にして「スタンパー」が作られる。そのスタンパーで塩化ビニールをプレスして「レコード」が作られていくのである。これが通常のレコードの製作である。

 再生するときはレコードの溝(マイクログルーヴ)をカートリッジの針先がトレースして機械信号を電気信号に変換する。それからカッティングする前と対照的な高域を下げて低域を上げる特性のフォノイコライザーアンプに入力する。この時に高域を下げるためLPは「ザー」というサーフィスノイズを下げることができるのである。それをアンプが増幅してスピーカーに送り振動板が振動して音になる。このアナログの原理的な方式を「相似性記録再生変換方式」と呼ぶこともある。

 CDはマスターテープまでは同じだが、それをデジタル信号に変換しそのデジタル信号をCDに記録する。CDプレーヤーはそのデジタル信号をピックアップで読み取り、内蔵されているDAC(DAコンバーター)でデジタル信号をアナログ信号に変換する。それからアンプで増幅しスピーカーを駆動するのはレコードと同じである。

 CDになんらかの情報の欠落があると仮定するなら、可能性として考えられるのは、①マスターテープのアナログ信号をデジタル信号に変換するとき、②デジタル信号をピックアップで読み取るとき、③DACでデジタル信号からアナログ信号に変換するとき、の三つが考えられるが、これが原因だと決めつける根拠はない。もう10年以上も前になるがあるオーディオ試聴会でメーカーの方が「アナログをデジタルに変換すると音が悪くなる」と話していたことを覚えている。それが原理的なものか技術的なものかはわからない。デジタルは日進月歩なので今ではかなり克服されている部分もあるかもしれない。

 「表現力」というのは細かい強弱といってもいいと思うが、CDは信号を読み取るときエラーがあると自動的に補正している。実はそこに山や谷の強弱があっても補正するときは直線になって補正されてしまうということもあるのかもしれない。ただ、これも想像の域を出ない。

 もう一つ具体的な話をすると、18年末に、ベルリン・フィルが戦時中のフルトヴェングラーの演奏の22枚組のSACDを一挙に発売した。SACDは理論上、100kHzまでの音が出る。戦時中のフルトヴェングラーの演奏はメロディア盤ですでに全て持っているが、予想通りレコードを上回るものではなかった。この頃の録音には100kHzはおろか20kHzの音も入っていないだろう。それでも音質にはっきりと差がある。

 ただこれも使用しているCDプレーヤーが50万円台の中級機で100万円以上の高級機ならどうかとか、プリアンプにバランス入力があったらもう少し音が良くなるのではないかということも考えられるので、これはまだ今のところはということにしておきたい。

 

 2の質問についてはおそらくステレオ期(50年代後半)以降は録音技術というのはあまり変わっていないのではないかと思う。アナログ時代は名プロデューサーや名エンジニアの名前がたくさん上がるが、デジタルになってからはそういう名前は全く聞かなくなった。それでも極端に音質が落ちたとは思わない。デジタルで発達したのは音質そのものというよりは編集のしやすさではないだろうか。

 むしろ変わってきたのは録音の環境だろう。オーケストラやオペラといった大編成の録音は、ライブ録音ばかりになってしまった。かつてはショルティの「ニーベルングの指環」のように歌手やオーケストラを長時間拘束し、スタジオなどで録音していたが、今はそこまで費用をかけても回収できるほどCDやレコードといった録音媒体が売れなくなっている。ヴァイオリンやピアノのソロ、室内楽など編成が小さい曲はスタジオ録音ということがあるが、オーケストラやオペラの録音環境は以前と比較して良くなっているとは思えない。

 

 とりあえず答えになっているかどうかわかないが、思いつくところを書いてみた。

オーディオのこと 26    (レコードの「音の良さ」とは)

 アメリカでレコードの売り上げが30年ぶりにCDを上回った、というニュースがあった。その理由としてレコードは、CDでは切り捨てている可聴周波数より高い音でも再生できるからと言われていた。

 このことはCDが出てきた80年代から話題になっていた。CDのスペックはサンプリング周波数が44.1kHz/16ビットで20kHzぐらいまでしか再生できないとされてきた。人の可聴周波数帯域は20Hzから20kHzぐらいだからCDでは聞こえなくてもいいとされたのである。しかし、レコード擁護派からは、聞こえなくてもそれよりも高い周波数を何らかの形で感じているのだから20kHzで切るのはおかしい、だからレコードの方が音はいいという主張がこの頃からすでにあった。それが今、レコードの売り上げがCDの売り上げを上回ったというニュースを受け再び主張されたのである。

 しかし、この説には疑問がある。というのもレコードで20kHz以上の音を再生するのは容易ではない。まずカートリッジ、トーンアーム、レコードプレーヤーを吟味してセッティングを綿密に行ってようやく出るか出ないかという音なのである。それどころかそもそも録音の段階から20kHz以上の高域が入っているソフトがどれだけあるかということもある。どんなレコードでもそれだけの高い周波数の音が入っているとは限らない。録音の段階で入っているどうかも判らず、入っていて再生されたとしても聞こえない音を本当に感知してレコードの方が音はいいという主張にはどうしても無理があると感じてしまう。

 

 最近のアナログブームを背景に、各メーカーは若い人をオーディオに取り込もうとアナログ関連製品も増えてきた。しかし、そんな手頃な価格の製品はどう考えても20kHz以上が再生できる製品には思えない。メーカーはそれでもレコードはCDよりも高い周波数が再生できることを売り文句にするのだろうか。

 

 私がレコードを捨てることなく聴き続けてきたのは高い周波数が出るか出ないかではなく、レコードの方が「表現力」というのか微妙な強弱の変化などが優れているからだ。

 例えばフルトヴェングラーの52年ウィーン・フィルを指揮したスタジオ録音のタンホイザー序曲の録音がある。冒頭はクラリネットファゴット、ホルンのアンサンブルがあるが、これがCDだと管楽器がなっているという程度なのだが、これがレコードだと各楽器が絶妙なハーモニー作り上げているのがよく聴き取れる。

 レコードでも英盤ALP1220と仏盤FALP30039と2種類あるが、1220ではタンホイザー序曲はローエングリン第1幕への前奏曲と一緒に片面にカッティングされている。30039では片面にタンホイザー序曲だけがカッティングされている。「音がいい」のは30039である。1220では楽器がハーモニーを奏でているなという感じは判るがそこまでで、30039ではクラリネットファゴット、ホルンのハーモニーを指揮者が絶妙なバランスを保たせながら指揮しているのか手に取るようにわかるのである。これはあくまでもほんの一例にすぎない。この演奏でも他にこういう箇所はいくつもあるし、他の曲でも、他の演奏家でも同じだ。こういうことが聞こえてくると何が違うかというと聴く側の緊張感が違う。理屈や知識から来るものではなく、聴いた瞬間の、はっとしたときの緊張感である。その表現を聴くためにソフトをあれこれ買い直し、オーディオ機器を吟味して多額の投資をし、セッティングに拘って試行錯誤を繰り返すのである。

 

 メーカーにしても音楽ジャーナリズムもレコードの良さを正しく発信してもらいたいと思う。